10 величайших экшн-аниме за последние 10 лет, ранжированные

За последние десять лет экшн уверенно зарекомендовал себя как удивительно инновационная сила в анимации. Студии перестали просто использовать боевые сцены для связи сюжетных элементов; теперь они создают целые визуальные стили вокруг них, включая в хореографию отражение эмоциональной боли и используя цвет для изображения психического состояния персонажей.

Инвестировал в Теслу, потому что нравится машина? Это хороший старт. А теперь давай разберемся, что такое мультипликаторы и почему это важно.

Начать разбираться

Эти аниме – это не просто захватывающие сражения; они используют экшен, чтобы исследовать более глубокие темы, такие как последствия насилия, что на самом деле значит быть сильным и уникальная природа их фантастических миров. В конечном счете, они бросают нам вызов, заставляя переосмыслить возможности жанра экшен.

Kabaneri of the Iron Fortress доказывает, что отличная режиссура экшена может превзойти слабый сценарий.

Я полностью очарован Kabaneri of the Iron Fortress! Что действительно выделяет его, так это то, как он сочетает в себе потрясающий стимпанк-мир с феодальной Японией – сочетание оружия, боевых искусств и мечей просто невероятно и кажется совершенно новым. Кроме того, анимация Wit Studio была новаторской для своего времени, плавно сочетая 2D и CGI так, как я раньше не видел. И честно говоря, дизайн персонажей Харухико Микимото великолепен – каждый кадр выглядит как красивое, написанное от руки произведение искусства, что редкость для ТВ-аниме!

Я был действительно впечатлен хореографией в этой постановке. Дело было не только в главных героях, Икоме и Мумэй; казалось, что у каждого была своя цель в боевых сценах. Это делало сражения похожими на реальные командные усилия, а не просто индивидуальные демонстрации. Хотя к концу всё немного потеряло фокус, экшен в первой половине Kabaneri of the Iron Fortress — одна из самых хорошо выполненных и визуально интересных работ, которые я видел от Wit Studio.

Dororo заставляет каждое сражение ощущаться как нечто, в чём что-то было выиграно или потеряно.

Аниме 2019 года от MAPPA, основанное на работе Осаму Тэдзуки Dororo, делает свои экшн-сцены более впечатляющими, связывая их с личным ростом главного героя. Режиссёр Кадзухиро Фурухаси умело показывает, как Хяккимару становится более человечным по мере обретения силы и восстановления утраченных чувств. Например, возвращение голоса меняет его отношение к боли, а восстановление зрения меняет то, как он испытывает страх.

Как большой поклонник работ MAPPA, я был действительно поражён тем, как они подошли к визуальной составляющей в Dororo. Они не просто создали типичный фэнтезийный мир; они умело использовали техники, вдохновлённые традиционной японской живописью тушью, что идеально передало атмосферу периода Сэнгоку, в котором разворачивается сюжет. Особенно мне понравилось, как они изображали битвы с демонами – не как главное событие, а как важные этапы в путешествии Хяккимару. Именно благодаря этой сосредоточенности на развитии персонажа через действие, Dororo остаётся одной из самых удовлетворительных и целостных историй MAPPA даже сейчас.

Dorohedoro использует насилие для построения своего мира, а не для продвижения сюжета.

Выбор MAPPA в пользу 3D-анимации с cel-шейдингом для персонажей в Dorohedoro прекрасно передал тёмный, детализированный стиль оригинального арта Q Hayashida. Этот подход сделал экшен ощутимым, весомым и уникально тревожным – качества, которые могли бы быть утеряны при традиционной ручной анимации. Ни один другой экшен-аниме того времени не создал такой отличительный и захватывающий мир для своих сражений и насилия, как Dorohedoro.

Хотя экшен в Dorohedoro невероятен, он скорее служит для демонстрации мира и того, как он функционирует, чем для продвижения сюжета. Сражения между Кайман и Никайдо блестяще иллюстрируют хаотичную природу Ямы, но эмоциональное воздействие этих битв не так важно, как общая энергия и зрелищность.

Cyberpunk Edgerunners: Кадры власти как медленное самоуничтожение

Режиссёр Имаиси намеренно создал сюжетную линию Дэвида Мартинеса как трагическую. На протяжении десяти эпизодов студия Trigger использует экшн-сцены, чтобы подчеркнуть растущие навыки Дэвида, показывая их как достижение и признак опасности. Быстрые последовательности ‘Sandevistan’, где Дэвид, кажется, двигается с невероятной скоростью, визуально представляют напряжение и повреждения, которые наносит его телу.

Что отличает Cyberpunk: Edgerunners от других адаптаций видеоигр, так это то, как Studio Trigger оживила Night City посредством динамичного экшена, а не простого детального описания её мира. Интенсивное насилие в шоу – это не просто зрелище; оно отражает трагическую трансформацию Дэвида, когда он оказывается втянутым в опасности города. То, как Edgerunners смешивает жестокие бои с моментами искренней связи, удавалось запечатлеть лишь немногим шоу с момента его выхода в 2022 году.

Vinland Saga Использует Насилие как Моральный Аргумент

Один из аспектов, который выделяет Vinland Saga, заключается в том, как её самая впечатляющая экшн-сцена представлена как самый мрачный момент для персонажа. Первый сезон знакомит нас с Торфинном, юношей, который определяет себя через своё желание победить Аскеладда на дуэли. Эта одержимость толкает его к тому, чтобы стать невероятно умелым бойцом. Анимация его уникального стиля боя с двумя кинжалами поразительно детализирована и реалистична, опирается на историческую достоверность, чтобы создать по-настоящему правдоподобные боевые сцены.

Второй сезон Vinland Saga в основном показывает, как персонажи делают шаги назад, особенно Торфинн, который изо всех сил пытается преодолеть своё насильственное прошлое. На протяжении всего сериала, и несмотря на смену анимационных студий, Vinland Saga последовательно подкрепляет идею о том, что Торс был прав – истинная сила заключается не в борьбе или физической мощи. Каждая боевая сцена служит для демонстрации этого момента.

Golden Kamuy наращивает динамику за счет столкновения исторических фракций.

Действие Golden Kamuy разворачивается на Хоккайдо после Русско-японской войны и повествует об охоте за сокровищами, которая также глубоко исследует культуру айну. Сериал реалистично изображает бои – речь идёт не только о самом сражении. Невероятная выносливость Сайчи представлена не как суперспособность, а как результат травмы, которую он пережил во время войны, придавая вес и смысл каждой битве.

В отличие от многих экшн-сериалов, которые сосредотачиваются на одиноком герое, сражающемся со всё более могущественными злодеями, Golden Kamuy представляет несколько умных групп, каждая из которых преследует свои собственные цели – солдаты, беглые заключённые, коренные охотники и имперские агенты. Эти группы сталкиваются удивительными способами, и анимационные студии Geno Studio и Brain’s Base умело сохраняют эту непредсказуемую энергию, которая является ключевой причиной, по которой Golden Kamuy остаётся захватывающим более чем шестьдесят эпизодов – чего мало какие шоу могут достичь.

Mob Psycho 100 превращает экшен в психологическое выражение.

Первый сезон Mob Psycho 100 показал, что Studio Bones не боится экспериментировать с анимацией, используя уникальный живописный стиль, безумные психические битвы и внезапные смены настроения – всё для соответствия намеренно грубому художественному стилю оригинального автора, ONE. Второй и третий сезоны затем взяли эти творческие решения и использовали их для создания истории, которая одновременно мощно трогает и эмоционально воздействует.

Студия Bones последовательно поддерживает свежесть и динамичность анимации в Mob Psycho 100, избегая повторяющихся визуальных паттернов, которые часто появляются в более длинных аниме-сериалах. Шоу плавно сочетает различные стили анимации — от живописного и текучего до резкого и геометрического — все в одной и той же сцене, и эти изменения напрямую отражают эмоциональное и психическое состояние Моба.

Истребитель демонов пересмотрел грань между телевизионной и киноанимацией

Аниме Demon Slayer имело огромный коммерческий успех и также изменило представление людей о возможностях анимационной телевизионной графики. Студия Ufotable достигла этого благодаря уникальной технике, называемой сацуэй, которая сочетает в себе традиционную рисованную анимацию персонажей с 3D-фонами, используя кинематографическое освещение и эффекты фокусировки для создания визуально ошеломляющего опыта.

Красивые водные эффекты в атаках Тандзиро, напоминающие работы Хокусая, показывают, что истинный талант Ufotable заключался не только в создании визуально впечатляющих сил, но и в том, чтобы они ощущались физически ощутимыми. Хотя Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba – The Movie: Mugen Train стал самым кассовым аниме-фильмом в Японии, самым большим достижением Ufotable, возможно, стало создание экшн-сцен, которые мог понять и оценить любой, даже новичок в этом жанре.

Человек-бензопила заставляет экшен ощущаться фрагментированным и тревожным.

Наблюдать за тем, как Денджи сражается в Chainsaw Man, отличается от большинства экшн-аниме. Сцены сражений не о плавных, отточенных движениях; вместо этого они кажутся сырыми и дергаными, почти имитируя способ, которым движется настоящая бензопила. Аниматоры из MAPPA намеренно замедлили темп, добавив паузы, которые можно ожидать в художественном фильме – то, чего избегает множество аниме. Именно это сдержанность, это нарастание напряжения, на самом деле заставляет жестокие моменты ударять сильнее, когда они наконец происходят.

Вместо того, чтобы предлагать прямолинейный экшен, Chainsaw Man намеренно создает дезориентирующие боевые сцены, заимствуя приемы из фильмов ужасов, такие как быстрые склейки и специфические цветовые решения. Бой между Денджи и Резе является ярким примером, использующим странные визуальные эффекты и символические образы, чтобы насилие казалось более тревожным и значимым, чем типичная, отполированная экшен-сцена.

Jujutsu Kaisen использовал визуальные искажения, чтобы выразить то, что не могли диалоги.

Второй сезон Jujutsu Kaisen использует другой подход, чем первый, где режиссёр Сёта Госёдзоно выбрал более тревожный и фрагментированный стиль. Вместо стремительного и чёткого экшена первого сезона он использует такие приёмы, как документальный темп, дрожащая камера и разрозненные визуальные эффекты, чтобы запечатывание Годзё Сатору казалось хаотичным и непредсказуемым. Это создаёт ощущение, что события развиваются естественно, а не инсценируются. Сезон также уникально изображает психический срыв Гэто Сугуру с помощью поразительных визуальных эффектов, показывая его внутреннюю борьбу так, как это редко можно увидеть в аниме.

Звуковое оформление в Jujutsu Kaisen особенно эффективно, используя тишину — как во время заключения Годжо — не просто как перерыв, а как мощный инструмент повествования. Кроме того, шокирующие смерти и внезапные изменения в силе во время арки Сибуя настолько впечатляющие, потому что сериал успешно заставил зрителей глубоко заботиться о персонажах благодаря захватывающим экшн-сценам.

Смотрите также

2026-06-01 19:38